Espero que esteis disfrutando del fin de semana. Aqui va la selección de esta semana.
Un saludo a todos.

Con este pintor inauguro una nueva sección: Un cuadro, un artista. Un cuadro representativo de un artista con un pequeño apunte sobre la obra y su autor. Intentando hacerlo más abierto se admiten sugerencias sobre cualquier obra o autor que os gustaría ver publicado. Un saludo a todos.

Tres mujeres romanas contemplan el regreso de las galeras. Destaca la sensación de altura y de luz. El tejido de los vestidos, el amimal de bronce están representados con gran detalle. En toda la obra se demuestra el dominio de la perspectiva.
Holandes de nacimiento, Alma-Tadema se trasladó a Inglaterra en 1870, donde conoció el éxito como pintor siendo colmado de honores personales y profesionales.
La sociedad victoriana apreciaba sus retratos neoclásicos de la vida romana, griega y egipcia de la Antiguedad, que también demostraban los conocimientos de arqueología y de historia social que poseía el artista.

He recibido de Robert de Escritos de Pesadilla cuatro premios que no si son merecidos, lo que si se es que animan!

Aqui estan los cuatro premios:

Cada premio lleva asociada una pregunta a la hora de recibirlo:
Premio Blog Irresistible:
Tres cosas a las que nunca te resistirías: un buen libro, el chocolate, los gatos.

Premio Espada:
Menciona a tu heroina favorita: Camille Claudet

Premio Fortuna:
Algo que tenga un valor incalculable: Dormir con la conciencia tranquila.

Premio Sweetblogger:
¿Que cosas te encantan en un blog?: El diseño y el contenido.

A continuación paso a dar este premio a varios blogs que sigo con asiduidad y que son merecedores del premio:

Holocausto en Español
Anrafera – Diseño gráfico con photoshop
Sal o Pimienta
Las dos caras de la verdad
Historias de nuestra Historia
Óscar Velázquez
Sagitaire 17

Me quedan muchos en el tintero, a los cuales sigo con cariño y siempre que puedo y a los que premiare en otra ocasión. Saludos a todos.

Dos semanas seguidas sin música no podía ser. Buen fin de semana a todos.

El Museo del Prado exhibe, por primera vez juntas, la obra cumbre de John Singer Sargent, ‘Las hijas de Edward Darley Boit’ (1882) y ‘Las Meninas’ de Velázquez, una pintura que inspiró ese cuadro del artista norteamericano y que podrá contemplarse en el museo hasta el próximo 30 de mayo como parte del programa ‘La obra invitada’, patrocinado por la Fundación Amigos del Museo de Prado.
‘Las hijas de Edward Darley Boit’ fue un encargo del propio padre de las niñas representadas, un rico abogado de Boston, coleccionista y pintor él mismo con el que Sargent se relacionó en París.
Miguel Zugaza, director del Prado, recordó que Sargent visitó el Prado en 1879 en uno de sus ocho viajes a España y fue entonces cuando realizó una copia de ‘Las Meninas’, un lienzo que, por entonces, no estaba considerado aún el célebre cuadro que hoy conocemos. “‘Las Meninas’ le produjo una impresión que revivió en él hasta el punto de que cuando pintó en 1882 su obra maestra, ‘Las hijas de Edward Darley Boit’, lo hizo como homenaje a ese cuadro de Velázquez”, apuntó.

“FASCINACIÓN PROFUNDA”
El lienzo de Sargent, procedente del Museo de Bellas Artes de Boston, da a entender la admiración de su autor por la obra del artista sevillano. Tal y como explicó Malcom Rogers, director del citado museo norteamericano, tanto el lienzo de Sargent como el de Velázquez presentan “jóvenes enigmáticas que parecen mantener relaciones complicadas con quienes les rodean, espacios en penumbra y figuras intrigantes que quizás saben más de lo que dicen”.
Por su parte, Javier Barón, jefe del Departamento de Pintura del Siglo XIX del Museo del Prado, resaltó la “fascinación profunda” que ejerció Velázquez en los artistas que visitaban el Prado, para quienes llegó a ser una “revelación” y una “inspiración fértil”. “Velázquez fue una influencia clave en la renovación de la modernidad”, dijo.
Barón explicó que ‘Las hijas de Edward Darley Boit’ “permite advertir que no se trata de un retrato al uso de la época sino de un interior con figuras”. “La carga psíquica de este retrato parece tributaria de ‘Las Meninas’”, añadió. “El artista sugirió la personalidad de las cuatro muchachas a través de la ambigüedad del espacio en penumbra. La delicadeza y contención de los gestos, el riguroso orden compositivo, la presencia del espejo al fondo, la relación entre las luces y las penumbras, la calidad argentada del cromatismo o la sensación de instantaneidad detenida, muestran ese paralelismo con el lienzo de Velázquez”, señaló.

EL “VELÁZQUEZ RESUCITADO”
Erica E. Hirshler, conservadora de Arte de América del Museo de Bellas Artes de Boston, hizo hincapié en la definición que un crítico hizo de Sargent al año siguiente de exponer su cuadro. “Es un Velázquez resucitado”, dijo.
La conservadora apuntó que no existe información sobre el origen de este “inusual retrato” y tampoco bocetos ni dibujos preliminares de esta composición. En cualquier caso, señaló que Sargent lo pintó “deprisa, con largas pinceladas” y recordó que los Boit y Sargent sólo coincidieron en París durante mes y medio en 1882, fecha de su realización.
Esta experta explicó también que la obra muestra a las cuatro niñas en el recibidor del apartamento familiar en París, situado en un barrio moderno y caro, junto a dos grandes jarrones japoneses que posteriormente serían donados al Museo de Boston. “El espejo lleno de luz y el biombo son reflejo claro de ‘Las Meninas’”, señaló.
Asimismo, Hirshler indicó que cuando se expuso el cuadro los críticos lo calificaron de “excéntrico” ya que no se ajustaba a la definición convencional de retrato de la época algo que, con el tiempo se convirtió “en uno de los puntos fuertes” de la obra, dijo.
Finalmente, la conservadora ofreció algunas pistas sobre las cuatro protagonistas del lienzo: “Ninguna de ellas se casó. Florence, la mayor, fue pionera del golf en EEUU; Jane sobrevivió hasta los 85 años; Mary Louise se convirtió en una amante de la música y la pequeña Julia fue una gran acuarelista”.

Florencia redescubre con una nueva técnica la grandeza de la obra del pintor

Nada que ver con la difuminada opacidad y palidez actual. Cuando se enciende la lámpara de rayos ultravioleta, los murales que pintó Giotto en la capilla Peruzzi de la Basílica de la Santa Cruz de Florencia, considerados por sus contemporáneos la obra maestra del artista de Vespignano (1266-1337), revelan su verdadera esencia: una luz densa y definida, colores vivos y suntuosos, ricas decoraciones de las ropas, volúmenes de apariencia tridimensional, perspectivas espléndidas, posturas realistas, exquisitos detalles arquitectónicos y rostros expresivos.
El pintor reconocido por Dante en el Purgatorio como el discípulo que oscureció la fama del maestro Cimabue usó en esa obra, según explicaron ayer los expertos en Florencia, una técnica en seco, a la témpera, para intentar superar los límites del fresco. La solución no resistió el paso del tiempo, ni los continuos embates de la naturaleza y del hombre: entre otros, dos infiltraciones del agua del río Arno, varios retoques renacentistas al estilo del Ghirlandaio en el siglo XVI, y una brutal capa de pintura blanca que se colocó encima en 1714 y solo se levantó un siglo después, cuando Antonio Marini restauró la capilla con un criterio demasiado intervencionista, corregido en el siglo XX en un momento en que el conjunto estaba ya en un estado lamentable.

Los murales, encargados por el banquero Peruzzi a Giotto y situados en la capilla adyacente al altar mayor, cuentan, o contaban, las historias de San Juan Bautista y San Juan Evangelista. Su fuerza quedó desvaída, incompleta, desaparecida. Las pruebas científicas, realizadas con una novedosa técnica de rayos UVA desarrollada en Italia y financiada por la Fundación Getty de Los Ángeles en colaboración con el Opificio delle Pietre Dure, han logrado explicar ahora por qué la obra de este genio, que se consideraba sólo un mero artesano, inspiró tanto a Miguel Ángel y anticipó el esplendor del Renacimiento.

Los especialistas afirman que el hallazgo obligará a los historiadores del arte a rehacer los estudios sobre la madurez de Giotto, y a revisar incluso la cronología de la capilla Peruzzi. La duda ahora estriba en saber si se podrá o no restaurar la obra y recuperar del todo su grandeza original.
La máquina proyectora de rayos ha realizado un diagnóstico no invasivo que es sólo un primer paso, han explicado los responsables de la iniciativa. El experimento ha permitido “capturar” la materia orgánica usada por el maestro para ligar los colores (témpera al huevo, caseína y aceite) y revelar “el imponente naturalismo y los detalles que dieron fama del original”. Pero se calcula que el equipo de 34 personas, que trabajan tanto en la capilla Peruzzi como en la Bardi, pintada al fresco y por tanto no “visible” con la máquina, deberán pasar subidos en el andamio todavía dos años y medio.

Se que tengo vuestros blogs un poco olvidados, el día 31 inauguro una exposición y ando a cien, como de costumbre. Pero me paso siempre que puedo aunque algunas veces ni puedo comentar. Un ratito si que he sacado para mi selección musical que os dedico y para desearos un genial fin de semana. Saludos a todos.

Dirección: Carol Reed
Año: 1965
País: EEUU
Reparto: Charlton Heston, Rex Harrison, Diane Cilento, Harry Andrews, Alberto Lupo.

Carol Reed firma uno de los grandes clásicos del cine histórico. El papa Julio II y Miguel Ángel, viven entre el tormento y el éxtasis, una de las peleas artísticas más sonadas de la historia. Basado en la biografía que escribió Irving Stone, y en textos de Vasari y de Giovanni Papini sobre el gran artista florentino Miguel Ángel Buonarroti, presenta realista y eficazmente el conflicto, representado magníficamente por Charlton Heston y Rex Harrison, cuyas fuertes personalidades les llevaban a entrar en continuo conflicto. Esta extraordinaria producción, calificada como una de las mejores películas de su época, es una soberbia dramatización del conflicto detrás de una de las máximas obras de arte de la humanidad.

Julio II fue un Papa más preocupado de aumentar su poder terrenal que de las penurias de su pueblo. Déspota y egoísta, perdonó no obstante todos los desplantes de Miguel Ángel, enfurecido con el Pontífice por verse obligado a abandonar sus esculturas para pintar la bóveda de la Capilla Sixtina. Y es que a pesar de que Miguel Ángel jamás estuvo seguro tener auténtica valía como pintor, Julio II sabía que sólo él podría conseguir la impresionante obra de arte que aún hoy admiramos.

Aunque ni libro ni película tratan demasiado el contexto histórico de la Europa de aquella época, ambos son imprescindibles. Las escenas que muestran a Miguel Ángel sufriendo en lo alto del andamio, con la pintura goteándole sobre la cara, es un momento de enorme emotividad para los amantes del arte, al igual que los trabajos en «estarcido», ese dibujo agujereado para poder traspasarlo con carbón sobre el yeso de la pared.
Enlace para descargarla:

DESCARGAR CON EMULE

Mabel, una gallina de una granja de Shrewsbury, en Reino Unido, ha adoptado a unos cachorros de Rottweiler.
La gallina mantiene calientes a los cachorros posándose encima de ellos dentro de la cesta en la que suelen dormir, según publica la prensa británica.

Curiosamente, los cachorros no son huérfanos. Mabel aprovecha los descuidos de la madre de los perritos, llamada Nettle, para usurpar su puesto y cuidar de los pequeños.
Los dueños de la granja, Edward y Ros Tate, salvaron a Mabel después de que ésta sufriera un altercado con un caballo, que la pisó dejándola herida.

“Al principio, Nettle se asustó, pero ahora se alegra de que Mabel le ayude”, declaran los propietarios de la granja.
Pese a la buena relación entre ambas, los dueños no creen “que cuando Mabel tenga hijos nuestra perra vaya a devolverle el favor”.