Florencia redescubre con una nueva técnica la grandeza de la obra del pintor

Nada que ver con la difuminada opacidad y palidez actual. Cuando se enciende la lámpara de rayos ultravioleta, los murales que pintó Giotto en la capilla Peruzzi de la Basílica de la Santa Cruz de Florencia, considerados por sus contemporáneos la obra maestra del artista de Vespignano (1266-1337), revelan su verdadera esencia: una luz densa y definida, colores vivos y suntuosos, ricas decoraciones de las ropas, volúmenes de apariencia tridimensional, perspectivas espléndidas, posturas realistas, exquisitos detalles arquitectónicos y rostros expresivos.
El pintor reconocido por Dante en el Purgatorio como el discípulo que oscureció la fama del maestro Cimabue usó en esa obra, según explicaron ayer los expertos en Florencia, una técnica en seco, a la témpera, para intentar superar los límites del fresco. La solución no resistió el paso del tiempo, ni los continuos embates de la naturaleza y del hombre: entre otros, dos infiltraciones del agua del río Arno, varios retoques renacentistas al estilo del Ghirlandaio en el siglo XVI, y una brutal capa de pintura blanca que se colocó encima en 1714 y solo se levantó un siglo después, cuando Antonio Marini restauró la capilla con un criterio demasiado intervencionista, corregido en el siglo XX en un momento en que el conjunto estaba ya en un estado lamentable.

Los murales, encargados por el banquero Peruzzi a Giotto y situados en la capilla adyacente al altar mayor, cuentan, o contaban, las historias de San Juan Bautista y San Juan Evangelista. Su fuerza quedó desvaída, incompleta, desaparecida. Las pruebas científicas, realizadas con una novedosa técnica de rayos UVA desarrollada en Italia y financiada por la Fundación Getty de Los Ángeles en colaboración con el Opificio delle Pietre Dure, han logrado explicar ahora por qué la obra de este genio, que se consideraba sólo un mero artesano, inspiró tanto a Miguel Ángel y anticipó el esplendor del Renacimiento.

Los especialistas afirman que el hallazgo obligará a los historiadores del arte a rehacer los estudios sobre la madurez de Giotto, y a revisar incluso la cronología de la capilla Peruzzi. La duda ahora estriba en saber si se podrá o no restaurar la obra y recuperar del todo su grandeza original.
La máquina proyectora de rayos ha realizado un diagnóstico no invasivo que es sólo un primer paso, han explicado los responsables de la iniciativa. El experimento ha permitido “capturar” la materia orgánica usada por el maestro para ligar los colores (témpera al huevo, caseína y aceite) y revelar “el imponente naturalismo y los detalles que dieron fama del original”. Pero se calcula que el equipo de 34 personas, que trabajan tanto en la capilla Peruzzi como en la Bardi, pintada al fresco y por tanto no “visible” con la máquina, deberán pasar subidos en el andamio todavía dos años y medio.

La obra fue comprada en 1975 en una tienda de objetos de arte de París.
Un nuevo cuadro de Van Gogh, que no constaba hasta ahora en los catálogos habituales del artista holandés, ha sido encontrado en un museo regional del centro del país. La obra, un óleo del más puro estilo impresionista, retrata el molino Le Blute-Fin, de París.
Ejecutado hacia 1886, cuando el pintor residía en la capital francesa, formaba parte de la colección particular de Dirk Hannema, antiguo director del museo Boyman van Beunigen, de Rotterdam. Aunque el propietario, ya fallecido, siempre dijo que se trataba de un van gogh, su mala reputación con las atribuciones hizo que no le tomaran en serio durante tres décadas.
“Estas cosas son así. Ahora nos lo han traído, lo hemos analizado, y sí, lo pintó Vincent. Aunque nunca ha estado en nuestra colección, la atribución es ya oficial”, aseguran en el museo Van Gogh, de Ámsterdam.
Van Gogh decía que los errores de su obra eran compensados por los aciertos, y este cuadro es un buen ejemplo. Según Louis van Tilborgh, conservador de la sala, “la perspectiva es imperfecta, lo cual le da cierto encanto, y el empaste es típico del pintor. No así las figuras, muy grandes y coloristas. Hemos trabajado a fondo para demostrar la autoría y ha sido muy gratificante”.
El pintor, que dejó atrás las obras oscuras firmadas en su atormentada etapa holandesa, dedicó parte de su producción en Francia a los temas en boga entre los impresionistas. Los molinos, donde había cafés danzantes, eran uno de los lugares más concurridos de Montmartre, el barrio popular por excelencia de París.
La obra estará expuesta hasta el próximo 4 de julio en el museo De Fundatie, que guarda la colección de Dirk Hannema. Considerado el hazmerreír del mundo artístico holandés, la atribución ha llegado demasiado tarde para él. “Falleció en 1984, y lo malo es que pensaba que todas sus compras eran auténticas joyas. Que tenía rembrandts y vermeers. Pero aquí llevaba razón”, concluye Van Tilborgh.

Conocido mundialmente por su buen hacer delante de las cámaras, Anthony Hopkins, ha decidido extender su talmento también al mundo de la pintura, una afición en la que ocupa su tiempo desde hace años y que ahora presenta al mundo en una muestra en Londres donde se exhiben 50 pinturas en acrílico y tinta.
Jonathan Poole, organizador de la exhibición, dijo que el actor gales, ganador del Oscar por El Silencio de los Corderos, fue instado a explorar su talento por su tercera esposa, Stella Arroyave, y que pinta cada día en un estudio en su casa de Malibú.
“Su esposa Stella vio algunos de sus dibujos en sus guiones y le dijo que eran bastante buenos y le sugirió que fuera más allá, obviamente no de manera profesional, pero si más apropiadamente y él lo hizo. Y desde entonces él ha estado haciéndolo”, afirmó Poole en declaraciones a Reuters.
De hecho, una impresión en edición limitada de una pintura inspirada en su esposa está en esta exposición y puede ser comprada por 1.150 libras esterlinas (1.802 dólares). El lienzo original, muy preciado para el artista, cuelga de las paredes del hogar de Hopkins.

De estilo fuerte y colorido, muchas de las piezas son retratos con ojos que capturan la atención de los visitantes. Hopkins, de 72 años, ha estado pintando desde el 2002 y Poole indicó que es un pintor autodidacta. “Creo que la mayoría de las personas tiene esta capacidad. Si la usan o no depende de ellos. El ciertamente lo hace, porque está muy entusiasmado cuando pinta y creo que eso se nota en el resultado”, apuntó.
Poole también destaco que Hopkins usa una paleta en lugar del pincel tradicional en sus creaciones, que son generosas en textura y color. “Fuertes, intensas y muy abstractas, especialmente en sus máscaras. Es muy difícil señalar sólo un título, pero pueden ver que los ojos, él está muy interesado en los ojos. En sus palabras: ves el mundo desde tu ojos, en tus ojos”, declaró.
Esta es la primera colección de arte de Hopkins que se exhibe en Europa aunque el actor y pintor ya ha ofrecido exposiciones en Canadá y Estados Unidos. Las pinturas están siendo exhibidas en la Gallery 27 de Londres hasta el 20 de febrero, cuando pasarán a The Dome en Edinburgo en marzo y luego a Gales.

El mercado del arte voló ayer en mil pedazos y las previsiones más escandalosas quedaron hechas añicos cuando la noticia saltó en boca de los portavoces de Sotheby’s. Una escultura de bronce de tamaño natural del artista suizo Alberto Giacometti, L’homme qui marche I, de 183 centímetros de altura, fue subastada ayer en la sede de Sotheby’s de Londres por 65 millones de libras (74,34 millones de euros). Esa cifra constituye el récord mundial de una obra de arte, según Sotheby’s, batiendo la marca que desde mayo de 2004 tenía el cuadro de Pablo Picasso Muchacho con una pipa (El joven aprendiz).

La obra de Picasso fue vendida también por Sotheby’s, pero en Nueva York, al precio de 104,168 millones de dólares, equivalentes entonces a 58,052 millones de libras esterlinas. El giacometti subastado ayer se adjudicó por 65 millones de libras, equivalentes a 104,327 millones de dólares, por lo que en ambas monedas constituye un récord mundial. Todos los precios son incluyendo las comisiones asignadas a la casa de subastas.

La venta de ayer no constituiría un récord mundial si se hace su conversión a euros, pero eso no es en realidad significativo porque ninguna de esas ventas se ha hecho en euros y la moneda europea está ahora mucho más cara que en 2004, por lo que la comparación es imposible.
La pieza de Giacometti era propiedad del banco alemán Dresdner Bank, que sacó a subasta otras obras de arte para recaudar fondos tras las pérdidas sufridas durante la crisis económica mundial. El banco esperaba recaudar menos de la tercera parte del precio por el que finalmente fue adjudicada.
Un total de 10 personas intentaron hacerse con la pieza, que acabó siendo vendida en apenas ocho minutos. Como suele ocurrir en estos casos, anoche se desconocía la identidad del misterioso comprador y, como es también habitual, las especulaciones se centraron en algún oligarca ruso o en un multimillonario de Oriente Próximo. El comprador pujó por teléfono y estuvo representado en la sala por Philip Hook, un experto de Sotheby’s del departamento de Arte Impresionista y Moderno. En la puja final batió a otro comprador anónimo que estaba representado por Bill Ruprecht, consejero delegado de la casa de subastas.

L’ homme qui marche I es una de las piezas de bronce más conocidas y más características de Alberto Giacometti (1901-1966) y es, desde hace años, un verdadero icono del arte moderno. Ejecutada en 1960 y moldeada en 1961, la autenticidad de la pieza subastada ayer ha sido garantizada por la Fundación Alberto y Annette Giacometti.

Su primer propietario fue la Galería Maeght de París, que se la compró al artista. En diciembre de 1961 fue adquirida por la Sydney Janis Gallery de Nueva York, luego por la familia Cohen de Nueva York, el doctor Milton Ratner, también de Nueva York, otra vez la Sydney Janis Gallery, que en 1980 se la vendió al Dresdner Bank.
La escultura formaba parte de un proyecto público comisionado a Giacometti por el Chase Manhattan Plaza en Nueva York y, una vez completado, se convirtió en la primera gran escultura moderna del distrito financiero neoyorquino.

Van Dyck, Santa Cruz, Vergruggen, Wolfaerts, Janssens, Huysmans o Van der Wayden son algunos de los apellidos correspondientes a algunos de los autores más importantes de la pintura flamenca de los siglos XVI y XVII. Una muestra de sus pinturas, un auténtico arco iris cromático, puede verse, ahora, en Ávila, con la exposición dedicada a la pintura flamenca que ha abierto sus puertas en el Palacio Los Serrano, el espacio cultural de Caja de Ávila en la capital abulense.

Son 59 las obras que se exponen en este espacio y que el público abulense podrá contemplar hasta el 18 de abril. Son el 90 por ciento de la colección de pintura flamenca que posee Rudolf Hans Gerstenmaier, coleccionista alemán afincado en España desde hace 45 años que posee algunas de las obras flamencas de esta época más perseguidas y admiradas de la Historia del Arte.
Pintura religiosa, paisajes y bodegones se completan, además, con una colección de grabados realizados por Joann Sadler, Hendrick Goltzius (grabados a buril, pertenecientes a la serie de temas mitológicos y alegóricos, inspirada en los textos de Ovidio) y Anton Van Dyck (de la serie dedicada a iconografías de hombres ilustres, realizada en Amberes, en 1626).

La muestra que puede verse desde este martes en Ávila es, como explicó Gonzalo Jiménez, coordinador de la Obra Social de la entidad de ahorro abulense, “histórica”, pues reúne 59 piezas coleccionadas por alguien que “ama el arte por el arte”, algo “raro en nuestra sociedad”, porque lleva aparejado “una carga comercial y especulativa muy importante”.
De hecho, Gerstenmaier no sólo posee una “fantástica” colección de pintura flamenca de los siglos XVI y XVII (también algunas piezas del XV) sino también una destacada colección de artistas españoles del siglo XIX.
El propio Rudolf Hans Gerstenmaier aseguró que su interés por coleccionar este tipo de obras comenzó al adquirir dos cuadros por 7.500 pesetas, aunque él cobraba 5.000.
Fue él mismo, en la inauguración de la muestra, quien definió la pintura flamenca como “la Capilla Sixtina” de la pintura, pues “luce enormemente” y por ser “una explosión de colores en todos los sentidos”, lo que le llevó a calificarla, asimismo, de “fuegos artificiales” pictóricos.
Para Gerstenmaier, la pintura flamenca “no se debe sólo ver con los ojos sino también sentir, acercarse a ella”, por sus posibilidades “fuera de serie” y por ser la “madre del arte europeo” que, además, integra a nombres como Van der Weyden, Memlin, Van Dyck…que “han dejado su huella” en museos de todo el mundo.
Por eso y como una de las escalas del largo recorrido que tiene la exposición, también en el extranjero, en la selección que se ha realizado, pueden contemplarse más de medio centenar de obras de arte religioso, bodegones y paisajes de artistas como Martin de Vos (Adoración de los pastores), Abraham Janssens (Ceres), Adrian de Gryef (Paisaje con animales o Paraíso terrenal), Santa Cruz (terminó el retablo mayor de la Catedral de Ávila), … junto a otros anónimos o de círculos y seguidores de Anton Van Dyck o de Van der Weyden e, incluso, la última adquisición del coleccionista: una tabla realizada por Jan Brueghel y Joos de Momper titulada Paisaje con figuras.

La exposición puede visitarse, hasta el 18 de abril, en horario de 19.30 a 21.30 horas, de lunes a viernes; y de 12 a 14 y de 18 a 20 horas, los fines de semana y días festivos. La entrada es gratuita.
Aunque siempre es triste que las grandes obras de la pintura descansen en colecciones privadas, negandonos su disfrute, al menos en este caso se dedican a exponerlas de forma gratuita además. Sin duda una gran oportunidad para quien pueda ir.

Hace cuatro años el magnate de los casinos Steve Wynn le dio accidentalmente un codazo en Las Vegas al cuadro de Picasso El sueño (1932), cuyo lienzo se resquebrajó de forma irreparable frustrando así la venta del que podría haberse convertido en el cuadro más caro de la historia. Valorado entonces en 98 millones de euros, el lienzo iba a pasar aquel mismo día de manos de Wynn a manos del coleccionista Steve Cohen pero tras el infausto codazo de su dueño, la transacción se anuló. El pasado fin de semana ocurrió un accidente similar con otro cuadro del pintor español, pero esta vez, las consecuencias no fueron tan catastróficas. Durante una de las muchas clases que imparte el Museo Metropolitan de Nueva York, una alumna -”una estudiante de los cursos para adultos”, según el departamento de comunicaciones del museo- perdió el equilibrio y cayó sobre el cuadro de Picasso El actor (1904-1905), un gran lienzo de dos metros de alto y más de un metro de ancho, en cuya esquina inferior derecha se abrió una brecha de 15 centímetros.
El cuadro, que muestra a un acróbata posando, colgaba en las paredes del museo desde 1952, año en que Thelma Chrysler Foy, una de las herederas del imperio automovilístico Chrysler, lo donó al museo. Pese al susto inicial, el diagnóstico de los conservadores del museo -que no han hecho público el valor del cuadro- fue positivo: según explicaron en un comunicado emitido el domingo “el daño no ha ocurrido en el punto focal de la composición y esperamos que la restauración, que se llevará a cabo durante las próximas semanas, sea un éxito”.

Considerado como uno de los más importantes del artista porque marca su salida del llamado periodo azul, y su entrada en el periodo rosa -donde suelen aparecer acróbatas ataviados con trajes de la commedia dell’arte-, es uno de los más solicitados por comisarios de todo el mundo, y había sido pieza esencial de diversas exposiciones dedicadas al artista. Pese al accidente, el museo aseguró que El actor volverá a lucir radiante en las paredes de la pinacoteca a tiempo para la muestra que el Metropolitan le dedicará a Picasso esta primavera.

La Fundación Mapfre expone 90 obras maestras procedentes del Museo D’ Orsay.

El impresionismo aportó una nueva imagen del mundo. Pese a nacer y crecer rodeado de grandes tragedias, como la guerra franco-prusiana, su aproximación a la naturaleza, su contemplación ha estado siempre ligada a sentimientos placenteros. El movimiento artístico francés por excelencia, tiene su templo en el parisino Museo D’Orsay, una de las pinacotecas más visitadas del mundo. Las obras de ampliación a las que está siendo sometido han hecho posible que una selección importantísima de sus grandes obras maestras se puedan contemplar desde el viernes y hasta el 22 de abril en las salas de la Fundación Mapfre en Madrid.

Manet, Monet, Renoir, Sisley, Pisarro , Cézanne, son sólo unos de los nombres más conocidos entre los impresionistas .Y están sus obras más conocidas, todas esas difundidas hasta la extenuación por los manuales de arte, que, sin embargo, en un 90% no se habían podido ver nunca en España.

Pablo González Burillo, responsable de exposiciones de Mapfre y Guy Cogeval, director del Museo D’Orsey, han sido los encargados de presentar una exposición que recorre dos plantas del edificio y que, con toda seguridad, se va a convertir en la muestra de la temporada. Cogeval aseguró que los españoles tienen estos días una ocasión única de conocer en directo las obras de un movimiento que cambió la percepción del mundo. Añadió que la remodelación del museo ha permitido celebrar dos muestras fuera de suelo francés, mientras concluyen las obras. Una en Australia y la otra en Madrid.

González Burillo reconoció que esta es la exposición más cara realizada hasta el momento por la Fundación ya que la prima del seguro ha sido de un millón de euros. Pero para él no hay nada comparable a la oportunidad de presentar una colección de obras que suponen el nacimiento del mundo moderno.

Es sin duda el movimiento pictórico que más me gusta, tanto la pincelada, como el dominio del color, la composición, etc. Entre los impresionistas estan varios de mis pintores favoritos. Una oportunidad única de ver las obras reunidas en Madrid que espero poder aprovechar. A quien le guste el arte y pueda a disfrutarlas en vivo, una experiencia inolvidable.

La policía polaca recuperó hoy el cuadro de Claude Monet La playa de Pourville robado hace diez años del Museo Nacional de Arte de Poznan, en el oeste de Polonia, donde desde entonces colgaba una copia del original desaparecido.

La pintura, la única del autor impresionista existente en una colección polaca, se encontraba oculta en una vivienda de la ciudad de Olkusz, en el sur del país. Los agentes detuvieron a un hombre de 47 años sospechoso del robo del cuadro, valorado en unos cinco millones de dólares.

La playa de Pourville fue sustraída el 19 de septiembre de 2000 de la sala en la que se exponía, donde no existían cámaras de vigilancia ni cristales especiales para proteger las telas.

La precariedad de las medidas de seguridad facilitaron el trabajo del ladrón, que, al más puro estilo cinematográfico, se limitó a cortar el lienzo para sacarlo del marco y sustituirlo por una falsificación.

El museo de Poznan adquirió el cuadro en 1906, cuando la ciudad todavía pertenecía a Alemania, cuarenta años antes de pasar a ser territorio polaco como consecuencia de los acuerdos que siguieron al fin de la II Guerra Mundial.

El francés Claude Monet pintó este cuadro en 1882, dentro de una serie de paisajes de la costa de Pourville, en el norte de Francia.

Ante la inclusión en el Anteproyecto de Ley de Economía sostenible de modificaciones legislativas que afectan al libre ejercicio de las libertades de expresión, información y el derecho de acceso a la cultura a través de Internet, los periodistas, bloggers, usuarios, profesionales y creadores de internet manifestamos nuestra firme oposición al proyecto, y declaramos que…

1.- Los derechos de autor no pueden situarse por encima de los derechos fundamentales de los ciudadanos, como el derecho a la privacidad, a la seguridad, a la presunción de inocencia, a la tutela judicial efectiva y a la libertad de expresión.

2.- La suspensión de derechos fundamentales es y debe seguir siendo competencia exclusiva del poder judicial. Ni un cierre sin sentencia. Este anteproyecto, en contra de lo establecido en el artículo 20.5 de la Constitución, pone en manos de un órgano no judicial -un organismo dependiente del ministerio de Cultura-, la potestad de impedir a los ciudadanos españoles el acceso a cualquier página web.

3.- La nueva legislación creará inseguridad jurídica en todo el sector tecnológico español, perjudicando uno de los pocos campos de desarrollo y futuro de nuestra economía, entorpeciendo la creación de empresas, introduciendo trabas a la libre competencia y ralentizando su proyección internacional.

4.- La nueva legislación propuesta amenaza a los nuevos creadores y entorpece la creación cultural. Con Internet y los sucesivos avances tecnológicos se ha democratizado extraordinariamente la creación y emisión de contenidos de todo tipo, que ya no provienen prevalentemente de las industrias culturales tradicionales, sino de multitud de fuentes diferentes.

5.- Los autores, como todos los trabajadores, tienen derecho a vivir de su trabajo con nuevas ideas creativas, modelos de negocio y actividades asociadas a sus creaciones. Intentar sostener con cambios legislativos a una industria obsoleta que no sabe adaptarse a este nuevo entorno no es ni justo ni realista. Si su modelo de negocio se basaba en el control de las copias de las obras y en Internet no es posible sin vulnerar derechos fundamentales, deberían buscar otro modelo.

6.- Consideramos que las industrias culturales necesitan para sobrevivir alternativas modernas, eficaces, creíbles y asequibles y que se adecuen a los nuevos usos sociales, en lugar de limitaciones tan desproporcionadas como ineficaces para el fin que dicen perseguir.

7.- Internet debe funcionar de forma libre y sin interferencias políticas auspiciadas por sectores que pretenden perpetuar obsoletos modelos de negocio e imposibilitar que el saber humano siga siendo libre.

8.- Exigimos que el Gobierno garantice por ley la neutralidad de la Red en España, ante cualquier presión que pueda producirse, como marco para el desarrollo de una economía sostenible y realista de cara al futuro.

9.- Proponemos una verdadera reforma del derecho de propiedad intelectual orientada a su fin: devolver a la sociedad el conocimiento, promover el dominio público y limitar los abusos de las entidades gestoras.

10.- En democracia las leyes y sus modificaciones deben aprobarse tras el oportuno debate público y habiendo consultado previamente a todas las partes implicadas. No es de recibo que se realicen cambios legislativos que afectan a derechos fundamentales en una ley no orgánica y que versa sobre otra materia.

Este manifiesto ha sido redactado por periodistas, bloggers e internautas, a ver si hacen caso a los millones de personas y no sólo a una parte pequeña.

Si tienes un blog y estás de acuerdo con esto, ¡difúndelo!.
(Gracias Nikkita, Meg.)