Nada que ver con la difuminada opacidad y palidez actual. Cuando se enciende la lámpara de rayos ultravioleta, los murales que pintó Giotto en la capilla Peruzzi de la Basílica de la Santa Cruz de Florencia, considerados por sus contemporáneos la obra maestra del artista de Vespignano (1266-1337), revelan su verdadera esencia: una luz densa y definida, colores vivos y suntuosos, ricas decoraciones de las ropas, volúmenes de apariencia tridimensional, perspectivas espléndidas, posturas realistas, exquisitos detalles arquitectónicos y rostros expresivos.
El pintor reconocido por Dante en el Purgatorio como el discípulo que oscureció la fama del maestro Cimabue usó en esa obra, según explicaron ayer los expertos en Florencia, una técnica en seco, a la témpera, para intentar superar los límites del fresco. La solución no resistió el paso del tiempo, ni los continuos embates de la naturaleza y del hombre: entre otros, dos infiltraciones del agua del río Arno, varios retoques renacentistas al estilo del Ghirlandaio en el siglo XVI, y una brutal capa de pintura blanca que se colocó encima en 1714 y solo se levantó un siglo después, cuando Antonio Marini restauró la capilla con un criterio demasiado intervencionista, corregido en el siglo XX en un momento en que el conjunto estaba ya en un estado lamentable.

Los murales, encargados por el banquero Peruzzi a Giotto y situados en la capilla adyacente al altar mayor, cuentan, o contaban, las historias de San Juan Bautista y San Juan Evangelista. Su fuerza quedó desvaída, incompleta, desaparecida. Las pruebas científicas, realizadas con una novedosa técnica de rayos UVA desarrollada en Italia y financiada por la Fundación Getty de Los Ángeles en colaboración con el Opificio delle Pietre Dure, han logrado explicar ahora por qué la obra de este genio, que se consideraba sólo un mero artesano, inspiró tanto a Miguel Ángel y anticipó el esplendor del Renacimiento.

Los especialistas afirman que el hallazgo obligará a los historiadores del arte a rehacer los estudios sobre la madurez de Giotto, y a revisar incluso la cronología de la capilla Peruzzi. La duda ahora estriba en saber si se podrá o no restaurar la obra y recuperar del todo su grandeza original.
La máquina proyectora de rayos ha realizado un diagnóstico no invasivo que es sólo un primer paso, han explicado los responsables de la iniciativa. El experimento ha permitido «capturar» la materia orgánica usada por el maestro para ligar los colores (témpera al huevo, caseína y aceite) y revelar «el imponente naturalismo y los detalles que dieron fama del original». Pero se calcula que el equipo de 34 personas, que trabajan tanto en la capilla Peruzzi como en la Bardi, pintada al fresco y por tanto no «visible» con la máquina, deberán pasar subidos en el andamio todavía dos años y medio.

Dirección: Carol Reed
Año: 1965
País: EEUU
Reparto: Charlton Heston, Rex Harrison, Diane Cilento, Harry Andrews, Alberto Lupo.

Carol Reed firma uno de los grandes clásicos del cine histórico. El papa Julio II y Miguel Ángel, viven entre el tormento y el éxtasis, una de las peleas artísticas más sonadas de la historia. Basado en la biografía que escribió Irving Stone, y en textos de Vasari y de Giovanni Papini sobre el gran artista florentino Miguel Ángel Buonarroti, presenta realista y eficazmente el conflicto, representado magníficamente por Charlton Heston y Rex Harrison, cuyas fuertes personalidades les llevaban a entrar en continuo conflicto. Esta extraordinaria producción, calificada como una de las mejores películas de su época, es una soberbia dramatización del conflicto detrás de una de las máximas obras de arte de la humanidad.

Julio II fue un Papa más preocupado de aumentar su poder terrenal que de las penurias de su pueblo. Déspota y egoísta, perdonó no obstante todos los desplantes de Miguel Ángel, enfurecido con el Pontífice por verse obligado a abandonar sus esculturas para pintar la bóveda de la Capilla Sixtina. Y es que a pesar de que Miguel Ángel jamás estuvo seguro tener auténtica valía como pintor, Julio II sabía que sólo él podría conseguir la impresionante obra de arte que aún hoy admiramos.

Aunque ni libro ni película tratan demasiado el contexto histórico de la Europa de aquella época, ambos son imprescindibles. Las escenas que muestran a Miguel Ángel sufriendo en lo alto del andamio, con la pintura goteándole sobre la cara, es un momento de enorme emotividad para los amantes del arte, al igual que los trabajos en «estarcido», ese dibujo agujereado para poder traspasarlo con carbón sobre el yeso de la pared.
Enlace para descargarla:

DESCARGAR CON EMULE

Mabel, una gallina de una granja de Shrewsbury, en Reino Unido, ha adoptado a unos cachorros de Rottweiler.
La gallina mantiene calientes a los cachorros posándose encima de ellos dentro de la cesta en la que suelen dormir, según publica la prensa británica.

Curiosamente, los cachorros no son huérfanos. Mabel aprovecha los descuidos de la madre de los perritos, llamada Nettle, para usurpar su puesto y cuidar de los pequeños.
Los dueños de la granja, Edward y Ros Tate, salvaron a Mabel después de que ésta sufriera un altercado con un caballo, que la pisó dejándola herida.

«Al principio, Nettle se asustó, pero ahora se alegra de que Mabel le ayude», declaran los propietarios de la granja.
Pese a la buena relación entre ambas, los dueños no creen «que cuando Mabel tenga hijos nuestra perra vaya a devolverle el favor».

Mary Cassat nació en Pittsburgh en 1844 en el seno de una familia acomodada. Su infancia transcurrió entre Estados Unidos y sus viajes por Europa. Desde muy joven quiso dedicarse a la pintura y, pese a la oposición paterna, ingresó en la National Academy of Design de Nueva York. Vivió en París durante la década de 1860, hasta el estallido de la guerra franco-prusiana (1870-1871), pero en 1872 volvió a la capital francesa de forma definitiva, y expuso regularmente en el Salón anual.

En 1872 observamos una maduración en su estilo, debido en parte al estudio de los maestros en los más importantes museos europeos y a las indicaciones de su maestro Camille Pissarro. La pintura de ese periodo refleja su fascinación por el Impresionismo a la par que su admiración por los viejos maestros italianos, españoles y holandeses.
En el Salón de 1874 Degas se interesó por su pintura y se inició un fructífero período de amistad y colaboración que llevaría a la pintora a ingresar oficialmente en el grupo de los impresionistas en 1879.

Poco después de su triunfo con los impresionistas, Cassatt dejó la pintura para hacerse cargo de su madre y hermana, quienes enfermaron. Su hermana murió en 1882, lo que dejó a la artista sin ánimo para pintar; su madre recuperó la salud, tras lo cual retomó la pintura.
Permaneció unida al círculo de los impresionistas hasta 1886, pues ya no se identificaba con éste ni con ningún otro movimiento artístico; a pesar de ello, no perdió su amistad con Degas y Berthe Morisot. El estilo de Cassatt continuó en evolución, acercándose hacia una honesta y simple copia de la realidad; empezó a experimentar con varias técnicas.

La década de 1890 fue la época más creativa de Cassatt; expuso regularmente en las galerías neoyorquinas e incluso se convirtió en modelo a seguir para jóvenes artistas norteamericanas a las que aconsejaba en sus carreras; entre éstas destaca Lucy A. Bacon. Al iniciarse el nuevo siglo trabajó como consejera para varios coleccionistas de arte, a los que recomendaba que eventualmente donaran sus compras a los museos de arte norteamericanos. Sin embargo, el reconocimiento amplio de su arte fue tardío en los Estados Unidos.
En 1904 fue condecorada como caballero de la Legión de Honor por el Gobierno de Francia.
En 1911 fue diagnosticada de diabetes, reumatismo, neuralgia y cataratas, y en 1914 tuvo que dejar de pintar por hallarse casi completamente ciega. Tras 11 años de completa inactividad artística debido a su ceguera, falleció en la casa familiar en 1926 por complicaciones de su enfermedad.

La obra fue comprada en 1975 en una tienda de objetos de arte de París.
Un nuevo cuadro de Van Gogh, que no constaba hasta ahora en los catálogos habituales del artista holandés, ha sido encontrado en un museo regional del centro del país. La obra, un óleo del más puro estilo impresionista, retrata el molino Le Blute-Fin, de París.
Ejecutado hacia 1886, cuando el pintor residía en la capital francesa, formaba parte de la colección particular de Dirk Hannema, antiguo director del museo Boyman van Beunigen, de Rotterdam. Aunque el propietario, ya fallecido, siempre dijo que se trataba de un van gogh, su mala reputación con las atribuciones hizo que no le tomaran en serio durante tres décadas.
«Estas cosas son así. Ahora nos lo han traído, lo hemos analizado, y sí, lo pintó Vincent. Aunque nunca ha estado en nuestra colección, la atribución es ya oficial», aseguran en el museo Van Gogh, de Ámsterdam.
Van Gogh decía que los errores de su obra eran compensados por los aciertos, y este cuadro es un buen ejemplo. Según Louis van Tilborgh, conservador de la sala, «la perspectiva es imperfecta, lo cual le da cierto encanto, y el empaste es típico del pintor. No así las figuras, muy grandes y coloristas. Hemos trabajado a fondo para demostrar la autoría y ha sido muy gratificante».
El pintor, que dejó atrás las obras oscuras firmadas en su atormentada etapa holandesa, dedicó parte de su producción en Francia a los temas en boga entre los impresionistas. Los molinos, donde había cafés danzantes, eran uno de los lugares más concurridos de Montmartre, el barrio popular por excelencia de París.
La obra estará expuesta hasta el próximo 4 de julio en el museo De Fundatie, que guarda la colección de Dirk Hannema. Considerado el hazmerreír del mundo artístico holandés, la atribución ha llegado demasiado tarde para él. «Falleció en 1984, y lo malo es que pensaba que todas sus compras eran auténticas joyas. Que tenía rembrandts y vermeers. Pero aquí llevaba razón», concluye Van Tilborgh.

Desde el blog de Meg El fogon de Meg mi amiga me ha otorgado unos premios que aunque no se si merezco si que acepto de buen grado ya que me animaran a seguir intentando mejorar.
Ahora me toca premiar a 5 blogs que me parezcan merecedores de los premios, es dificil porque hay muchos más de 5 a quien se los daría. Algunos ya los han recibido asi que intentare no repetir.
Historias de nuestra historia
Oscar Velazquez
La porteria de Nela
Arte Llano
Foto Bazar

Dirección: Alexander Korda.
Año: 1936.
País: Gran Bretaña.
Reparto: Charles Laughton (Rembrandt), Gertrude Lawrence (Geertje Dirx), Elsa Lanchester (Hendrickje Stoffels), Edward Chapman, Walter Hudd, Roger Livesey, John Bryning, Sam Livesey, Herbert Lomas, Allan Jeayes, John Clements, Raymond Huntley, Abraham Sofaer, Laurence Hanray, Austin Trevor.

Alexander Korda reflejó en Rembrandt la gloria y la miseria de un pintor genial enmarcado en una época y a una sociedad donde la superficialidad y las apariencias eran lo único que contaban. Se recrea una aceptable ambientación de Ámsterdam en la edad dorada del mercantilismo como marco para la presentación de personajes de todos los estratos sociales, desde nobleza, encabezada por el Príncipe de Orange, a quien Rembrandt se niega adular, hasta los criados, campesinos y mendigos. Rembrand los relaciona en sus cuadros haciendo a los nobles aparecer como rufianes en La ronda nocturna, o a un pordiosero representando al rey Saúl.

El elemento central del filme es la relación de Rembrandt con sus mujeres. La primera es Saskia van Uylenburgh, que murió en 1642, que fue su musa y modelo, a la que no se presenta en escena y solamente se le conoce por referencias de terceros.

La segunda es la sirvienta y ama de llaves Geertje Dirx, papel que hace la actriz Gertrude Lawrence, y que sirve al director para realizar una de las secuencias mejores de le película, que representa el estilo de utilización de luces y sombras del pintor, al que se representa en la oscuridad -la muerte de sus esposa- y a la que ilumina la fulgurante presencia de Gertie, a la luz de una vela.

La tercera es Hendrickje Stoffels interpretada por Elsa Lanchester, esposa real de Charles Laughton, que significó para el pintor el inicio de una nueva época en su pintura al mismo tiempo que le servía de modelo ( Bethsabé, 1654) y le acompañó en sus momentos más duros hasta la muerte de ella.

El final es una composición basada en el autorretrato del pintor, en la que Charles Laughton recita el pasaje del Eclesiastés «Vanidad de vanidades y todo vanidad».

A sus casi 75 años la película sigue manteniendo la fuerza y dandonos a conocer a uno de los grandes maestros. Bien documentada y con interpretaciones clásicas es sin duda un referente en films biográficos de grandes pintores.
Enlace para descargarla:

DESCARGAR CON EMULE